Especial Skyline Benidorm Film Festival | Parte I

Especial Skyline Benidorm Film Festival

Parte I | 9ª edición

Tras una sesión matinal dedicada a los encuentros entre profesionales de la industria (como parte de la sección Prisma), así como la exposición de los finalistas y premiación del Shortpitch —Ultra todo, de Amora Films y Peculiar Films—, ha arrancado en Benidorm la Sección Oficial Nacional de cortometrajes con las proyecciones de las últimas obras de cineastas como Elisa Lanzas, Alex Sardà, Julu Martínez y Candela Megido o Alba Lozano. La apuesta del festival por dar espacio a gran diversidad de voces creativas ha generado un bienvenido eclecticismo en las propuestas a competición, con apartados estéticos muy variados, temáticas discursivas amplias y una multitud de géneros digna de mención; una oferta muy bien acogida por el público asistente.

Mapa de la geografía emocional

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Mapa de la geografía emocional». Dirección y guion: Julu Martínez, Candela Megido. Compañías: Pico Tres Cine, Pantalla Partida. Festival de presentación: Festival Internacional de Cine de Gijón. Distribución en España: Digital 104. Fotografía: Toni Sanz. Montaje: Ángela Delgado. Música: Guillermo Pita. Reparto: Iván Vígara, Valeria Sevillano, Sergio Reifs, Laura Urizar. Duración: 20 minutos.

Definido por su actor protagonista, Iván Vigara, como un “viaje expresivo”, el cortometraje Mapa de la geografía emocional es una aproximación no solamente al paisaje afectivo de Leo, sino, muy en consonancia con lo primero, al propio tejido del territorio en el que se inscribe, una región pesquera de Galicia. Julu Martínez y Candela Megido utilizan la narrativa fragmentada y la voz voluble de su personaje como artefactos que resuenan con la propia ambigüedad de las leyendas endémicas sobre criaturas marinas mitológicas, denominadas “nereidas”; seres marinos que protegen a los marineros, a quienes ofrecen una concha como regalo de amor.

Es en este contexto que Megido y Martínez se sumergen con lograda delicadeza en la mente de Leo, donde cualquier categoría lógica o incontestable se disuelve en el flujo mismo de su existencia, de su sensibilidad, en un afán prácticamente imposible de cartografiar una manera muy particular de procesar los estímulos, las emociones, el ejercicio de concebir el tiempo, cuyas categorías parecen superponerse en un continuum no lineal, lleno de simbolismo. En esta ausencia de cubículos estancos que es Mapa de la geografía emocional se pierde por momentos el complicado equilibrio entre forma y discurso, provocando tropiezos que empañan su ejecución.

Los cayucos de Kayar

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Los cayucos de Kayar». Dirección y guion: Álvaro Hernández Blanco. Compañías: Orbe Cinema, De la Reina, AMMA Productions. Festival de presentación: Festival Internacional de Cine de Lanzarote. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Álvaro Hernández Blanco. Montaje: Álvaro Hernández Blanco. Música: Arturo Cardelús. Reparto: Thimbo Samb. Duración: 29 minutos.

Álvaro Hernández Blanco aborda acertadamente desde lo micro una temática macro con Los cayucos de Kayar. Estas barcas de madera vertebran la realidad social del pequeño pueblo senegalés al que alude el título; son a la vez instrumentos de pesca de supervivencia, de la cotidianidad más humilde, y a la vez son tentadoras promesas de futuro, vehículos que ofrecen la posibilidad de escape, también inscrita en el puro tejido social de la región. Los habitantes de Kayar, cuyas voces Thimbo agrupa en la suya propia, se arrojan a la empresa imposible de atravesar el océano, fracasando continuadamente como atormentados personajes de un castigo mitológico, a pesar del peligro de muerte, a pesar de la incertidumbre ignorada o disfrazada de porvenir.

Thimbo lleva consigo esta victoria como una cicatriz, sabiendo él en carne propia que llegar a las costas españolas es solo el inicio de una vida dura; porta las humillaciones sufridas con orgullo irreductible, porque ha conseguido prosperar aquí y procurarle una vida mejor a su familia en Senegal, pagando como precio su ausencia intermitente y convirtiéndose en un extranjero en todas partes. La potencia del relato se ve mermada por las decisiones estilísticas de su director —en especial, el uso de la música—, quien se convierte en el gran obstáculo de su propia obra. Sin estos artificios, el filme podría haber brillado aún más.

La niña tatuada

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «La niña tatuada». Dirección y guion: Elisa Lanzas. Compañía: ESCAC Films. Festival de presentación: Octubre Corto. Distribución en España: ESCAC Films. Fotografía: Silvana Valadez. Montaje: Fran Tudela. Reparto: Carla Quílez, Ramon Pujol, Elisabet Marí Francès, Júlia Carmona, Pep Linares. Duración: 14 minutos.

La directora Elisa Lanzas escribe y dirige una aproximación sutil y descarnada a una violencia tan incrustada en lo cotidiano, que acaba invisibilizándose. El Terror se presenta frente a los ojos de la pequeña Irene (Carla Quílez) mientras se encuentra esperando a su hermana (Júlia Carmona) en la plaza del barrio; en este entorno conocido y previsible acecha un hombre. La única respuesta posible de Irene ante la amenaza es recurrir a su padre (Ramón Pujol), decisión de la que se arrepiente de manera casi inmediata.

El ingenio de Lanzas consiste en fijar su mirada en la complejidad de la coyuntura emocional de su protagonista. Con apenas unos pocos elementos, es capaz de configurar un paisaje de confusión e inocencia a partes iguales por el que transita su protagonista, tan ajena a términos como “micromachismos” o “cultura de la violación” y, sin embargo, ya sexualizada, ya incapacitada por la mirada de los hombres que la rodean. El segundo tramo narrativo de La niña tatuada se convierte así en minúsculos thriller y road movie, sumergiendo a Irene en medio de una atropellada espiral de agresividad disfrazada de justicia, cuya única motivación responde a los mismos mecanismos que la han arrancado de su infancia.

La noche dentro

ficha técnica:
España, 2023. Título original: «La noche dentro». Dirección: Antonio Cuesta. Guion: Antonio Cuesta, Adrián Pino. Compañía: El Golpe Creativos SL. Festival de presentación: Festival de Cine de Sevilla. Distribución en España: LINE UP Film Agency. Fotografía: Manuel Montero ‘Monty’. Montaje: Ro Menéndez. Música: Fernando Infante. Reparto: Clare Durant, Ana Pariente, Rafa de Vera, Paula Díaz, Manuel Navarro, Lola Arellano, Mila Fernández Linares, José Rasero, Ignacio de la Puerta, Sofía Navarro. Duración: 24 minutos.

Antonio Cuesta decide emplear unos recursos estéticos y discursivos concretos para construir algo así como una estéril observación sobre agotamiento. Belén (Clare Durant) es enfermera, pero acaba de abrir los ojos sobre una camilla, en el mismo hospital en el que trabaja. Mientras se incorpora, con sus compañeros y compañeras alrededor, comienza a reconstruir lo acontecido hasta aquel instante, así como las implicaciones éticas, personales y sociales que se desdoblan progresivamente. Utilizando tropos comunes (la amnesia, la reconstrucción detectivesca de Belén, atravesando los laberínticos pasillos del hospital —que son los de su propia memoria— Cuesta consigue generar una atmósfera con recursos como el plano secuencia, la iluminación mortecina, haciendo brillar una economía de medios, que juega muy a favor del conjunto de la película.

Es en este espacio donde La noche dentro despliega su contenido discursivo como un golpe sobre la mesa. La precariedad de un sistema médico público, la falta de infraestructura y recursos humanos adquieren aquí casi un cariz apocalíptico y, sin embargo, están sujetos a una realidad social sin artificios. Cuando los profesionales de la salud colapsan, obligados a jornadas extenuantes, a volúmenes de trabajo inabarcables, colapsa nuestro sistema social y nos vemos absolutamente indefensos.

El príncep

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «El Príncep». Dirección y guion: Àlex Sardà. Compañías: 15L Films, Canada, Las Montañas del Canada. Festival de presentación: Festival de Cine de Sevilla. Distribución en España: Marvin & Wayne. Fotografía: Artur-Pol Camprubí. Música: Clara Aguilar. Reparto: Enric Auquer, Mona Martínez, Javier Beltrán, David Vert, Nora Sala-Patau, Daniela Brown, Elena Martín, Carla Linares. Duración: 29 minutos.

Un excelente Enric Auquer protagoniza El príncep, de Alex Sardà, una película casi al límite del mediometraje, acerca de la familia, la pertenencia y la culpa. Pero además es una reflexión sobre el poder. No en vano, el título deja bastante claras sus intenciones: por una parte, una descripción de su protagonista, diletante hijo menor y eslabón más frágil de una familia de acaudalados especuladores; por otra, la referencia hacia la obra de Machiavelli es transparente, sobre todo en lo concerniente a qué y cuánto debe hacerse pare conservar el statu quo, el papel estelar, para sobrevivir. La respuesta parece clarísima.

Artur comparte nombre con su padre y se niega a cargar con esta cruz impuesta como una fuente de orgullo. No quiere saber nada de las opacas actividades a las que se dedica su familia. Sin embargo, el mismo día del estreno del espectáculo de danza contemporánea que protagoniza —espacio sobre el que sí disfruta de la atención brindada—, su madre (una estupenda Mona Martínez), su hermano (Javier Beltrán) y el consigliere (David Vert) acuden a él para hacerle una oferta por su alma, que es a la vez una invitación al sacrificio y una amenaza disfrazada de cariño.

Sardà se sirve de un logrado diseño de producción y unas actuaciones muy destacables para edificar una película excelente, donde texto y subtexto resuenan con elegancia.

Capitanes

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Capitanes». Dirección y guion: Kevin Castellano, Edu Hirschfeld. Compañías: Inaudita Films, Malas Compañías P.C., Maluta Films, Vessmedia Producciones Audiovisuales. Festival de presentación: Cinema Jove. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Sara Gallego, Jorge Sirvent. Reparto: Héctor Juezas, Jorge Silvestre. Duración: 15 minutos.

El interés que confesaba Edu Hirschfeld, director, junto a Kevin Castellano, por hacer un cortometraje sobre el fútbol, auguraba una muy interesante reflexión acerca de los roles de género y las nuevas masculinidades. Capitanes es una película divertida y conscientemente tramposa; juega al engaño, presentándose en su primera parte con la estética exacta de la retransmisión de un partido de balompié, del que sus dos mejores jugadores han sido apartados a mitad del encuentro. Una vez dentro de los vestuarios, la cámara se centra en diseccionar los conflictos de dos jugadores (Héctor Juezas y Jorge Silvestre), líderes del equipo y amigos de infancia. Encerrados en este espacio que exhuma sudor y masculinidad tóxica, la conversación y la distancia personal van progresivamente tornándose hacia otra cosa.

Resulta refrescante este atrevimiento en observar con perspectiva queer este entorno, heteropatriarcal por antonomasia, y descubrir cómo su simbología y su estética ocultan una lectura alternativa, sumamente rica. El clímax de Capitanes (orquestado gracias a la buena elección de bailarines dentro del casting), muy físico, deriva hacia un enaltecimiento sin prejuicios de la belleza de los cuerpos, tomando prestados el tenebrismo y la composición de la pintura barroca italiana. Tal ejercicio de impacto visual obtiene un resultado más que destacable.

Mi juego

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Mi juego». Dirección, guion, ilustración y animación: David Navarro Bravo. Diseño de sonido: Nicole Madi. Actuación de voz: Óscar Nagar. Duración: 5 minutos.

David Navarro Bravo crea, mediante un muy efectivo uso de la animación digital, una pequeña obra divertidísima, tan perversa como inofensiva, tan perturbadora como lúdica. Mi juego describe en primera persona el horror asfixiante de la mente de un hombre alienado, aplastado por una rutina mundana y carente de estímulos, tan ajena a la sorpresa o el entretenimiento, como entorno para el despliegue de un inconfesable flujo de conciencia. Como toda buena obra que explora el desequilibrio de la mente, aquí es el propio protagonista quien decide tornarse confesional, narrador en primera persona.

El juego que titula la película es bastante sencillo: nuestro psicópata protagonista, empleado de un videoclub, guarda un arma cargada y amartillada en el cajón del mostrador, lista para ser descargada sobre él mismo o sobre uno de sus clientes, dependiendo únicamente de la arbitraria ¿voluntad? Del azar. Esta delirante dinámica de ruleta rusa, con influencias tarantinianas y de cultura pop supone un estímulo interesante, y su carácter lúdico la despoja de cualquier tipo de seriedad o discurso más complejo.

Utländsk

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Utländsk». Dirección y guion: Alba Lozano. Compañía: La Córnea Digital. Festival de presentación: Festival Internacional de Cine de Cartagena. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Aitor Mendilibar. Montaje: Pepa Roig. Sonido: Iñigo Etxarri. Reparto: Izaro Nieto, Dorleta Urretabizkaia, Itziar Manero, Arnatz Puertas, Lur Korta, Gaizka Sarasua, Miguel Garcés, Luix Mitxelena, Nerea Mazo. Duración: 20 minutos.

La palabra sueca que da título a la película de Alba Lozano significa “extranjero”, en castellano. Para Esti (Izaro Nieto), su protagonista, Oiartzun, el hogar al que ha regresado desde Suecia tras años de ausencia, ya no representa un abrazo cálido, sino una más bien una fuente de cuestionamiento: la confrontación con su madre (Dorleta Urretabizkaia), y el encuentro con el fracaso. Parece no estar segura de haber cambiado tanto durante su tiempo fuera, o más bien acaso siempre fue distinta al territorio humano con el que comparte sus apellidos, sus documentos, su pasado. De modo que su propia tierra se torna una falacia, así como su vida inmediatamente anterior, fuera de su pueblo, comienza a querer desdibujarse.

Utländsk utiliza una sobriedad digna de mención para abordar la manera en la que mutan las relaciones familiares en la adultez temprana, y cómo cada parte debe entender y gestionar su propio espacio en la dinámica. Con honestidad y contención, Lozano cuestiona cómo se sostienen la identidad personal y cultural cuando el tiempo y las circunstancias modifican nuestra propia esencia. Todos los habitantes del pueblo, felices de verla, parecen empeñados en recordarle a Esti que la conocen muy bien, que es aquí donde debe estar cuando ella misma sabe, muy a su pesar, que esta tierra, de alguna manera dolorosa, ya no le pertenece.