Charlamos en Berlín con Èrika Sánchez, directora del cortometraje «Panteras», presentado en la sección Generation del festival alemán. Es su primer trabajo de ficción tras un lustro dedicado al formato documental. «Panteras» marca las pautas de lo que será su debut en el largometraje, titulado «Quiet Women».
Entrevista a Èrika Sánchez, directora de «Panteres».
Texto de Rubén Seca | | 70ª edición de la Berlinale.
Texto de Rubén Seca | | 70ª edición de la Berlinale.
¿De dónde surgió la necesidad o la inspiración para narrar esta historia?
La raíz del proyecto surge de muy dentro de mí. Con 12 años me diagnosticaron anorexia. A raíz de esa experiencia, el tema de la construcción de la identidad, más vinculada al género, es algo que siempre ha estado en mi vida: la relación con el cuerpo, el cuerpo femenino, el físico del cuerpo. Evidentemente es algo que llevo impregnado. Y, de repente, hace un par de años, sentí que era el momento de explicarlo, de expresarlo, de una forma quizás no muy directa, porque es cierto que Panteras no va de este tema, pero bueno, sí que intenté narrar una historia que parte de esta necesidad, y este fue el punto inicial del proyecto.
¿Por qué elegiste desarrollar la historia en el contexto escolar?
Lo tenía muy claro. Lo quería centrar en la exploración de la pubertad femenina. La época en la escuela, en el instituto, es una etapa donde las amigas tienen mucha importancia. Elegí el momento de la pubertad porque es un momento de muchos cambios, tanto físicos como mentales, en esta construcción de la identidad que decíamos, tanto en hombres como en mujeres. Pero en la mujer, los cambios físicos, como la menstruación te condicionan, tiene unas connotaciones en las mujeres, con cambios evidentes de los pechos, la cintura, etc; porque eso significa que ya eres una mujer; y creí que era un momento interesante para retratar.
¿Partiste de un guion fijo o se fue transformando durante el rodaje con las actrices?
Partía de un guion muy fijo, pero a la vez tengo que decir que yo vengo del mundo documental, y, debido a esto, mi manera de trabajar es mucho más desde esta exploración, de beber de la realidad para transformarla. Entonces, tenía el guion ya muy cerrado con dos personajes construidos, y con ello hicimos un casting en la calle, en vez de hacerlo en escuelas de teatro. Una vez elegidas las dos protagonistas, Laia y Rimé, lo que hice fue reunirme con ellas durante 6 meses, principalmente para conocernos mejor, para hablar de los temas que aborda la historia y para ver cómo iba modificando aquellos personajes que yo tenía preconcebidos, adaptándolos a sus personalidades. Durante el rodaje, la verdad es que yo creía que el guion se iría transformando también mucho más de lo que se transformó finalmente; terminamos dando vida a la versión de guion que surgió de estos 6 meses de trabajo conjunto.
¿Cómo fue este proceso de casting que te llevó a encontrar estas dos maravillosas actrices?
No fue un proceso muy largo, porque cuando hicimos el casting teníamos cero presupuesto prácticamente, y por eso lo tuvimos que dividir en dos jornadas. Además, de forma paralela, yo estaba sumergida en la producción de un largometraje, y por eso tenía poco tiempo de por sí. Tuvimos mucha suerte porque en el primer casting apareció Rimé, que interpreta en el corto a Nina, y nos encantó. Y en el segundo casting es donde conocimos a Laia. Fue juntarlas y ver que la cosa fluía bien, había un feeling entre ellas impresionante.
El proceso de casting fue muy interesante, además lo tenemos grabado y la verdad que es un documento impresionante, porque lo que hacíamos eran conversaciones con las chicas sobre los temas que toca el cortometraje, y terminó siendo una mina de descubrir el mundo actual de la pubertad femenina, fue bestial. Y si la cosa fluía en esta conversación, hacían una pequeña improvisación o hacían alguna de las escenas que les habíamos pasado. Fue muy enriquecedor el proceso.
Creo que las dos actrices transmiten mucha verdad y naturalidad, ¿cómo preparaste con ellas los personajes?
Principalmente a partir de amistad, de mucha amistad, y de aprender mucho, yo de ellas y ellas de mí. Fue un intercambio muy fluido; ir a casa de una, a casa de la otra, y hacer piña las tres. A partir de esta confianza que llegamos a tener, la dificultad surgió quizás cuando nos pusimos a encarar el hecho de hacer una película, y separarnos un poco, tomar distancias, y ver cómo acabábamos de pulir eso que habíamos ido construyendo este tiempo. En este proceso se añadió una acting coach una semana antes del rodaje, y tuvimos tres sesiones para preparar algunas escenas, donde el trabajo con ella fue muy importante para acabar de materializar cosas con las dos actrices que aún estaban algo etéreas, de ver cómo trasladar con un gesto, un movimiento, a partir de lo físico, la manera de moverse, la manera de hablar, de cómo se tocan.
¿Cómo planteaste la dirección del corto, cuál fue el planteamiento cinematográfico previo?
Para evitar perder esta naturalidad de las actrices, tuve claro que quería que fuéramos un equipo pequeño, para que así ellas se sintieran más cómodas. Y en este sentido, sí que buscaba este carácter más próximo al documental, pero con un trabajo estético. La forma de encontrar este equilibrio fue jugar con los colores del vestuario, los colores de las localizaciones, con el arte, pero en cambio, a nivel de cámara y de luz, ir muy ligeros de equipaje. Aportó mucho en este sentido Gina, la directora de foto que es una crack, que ayudó a encontrar este equilibrio y darle esta estética propia que tiene el corto, en este universo creado.
En relación con las actrices, a pesar de estar todo muy estudiado, para mantener esta frescura tuve claro que hacía falta construir todo desde la intimidad, desde una relación muy cercana entre quien está delante de la cámara y quien está detrás. Yo, por mi personalidad, soy una persona que me gusta traspasar la gente, conectar con ellas. Al sentirme conectada, pienso que las cosas pueden fluir por mucho que estén marcadas y pautadas.
¿Cómo ha sido para ti afrontar ahora un proyecto de ficción, viniendo del documental?
En este sentido ningún problema, porque yo vengo del documental desde la realización, pero a la vez he hecho bastante de script supervisor en la ficción. Por eso conozco bien los procesos de cómo funciona la ficción, y los tengo bastante integrados, y eso te facilita mucho las cosas. Para que los procesos, al final, es cómo te relacionas con el equipo, qué va antes, qué va después, cuáles son las cosas imprescindibles, cuáles son las cosas no tan imprescindibles, y eso te libera mucho del ruido mental que te puede provocar una ficción cuando vienes del documental.
¿Por qué elegiste el formato de cuatro tercios?
Para la cuestión del retrato. Hicimos pruebas de formato y nos dimos cuenta que los cuatro tercios, cuando quieres hacer un retrato, es el mejor formato para conseguir un acercamiento con el sujeto, y con ellas se notaba mucho la diferencia de formato.
¿Cuáles fueron las dificultades que tuviste que afrontar durante el rodaje?
La mayor dificultad es que yo también soy la productora, y esto es una locura, porque a veces te das cuenta de que estás pendiente de ese apartado. Por suerte tuve una muy buena Directora de Producción, Àngels, que me liberó durante el rodaje, y que me permitió despreocuparme prácticamente de todo. Pero al haber estado tan involucrada en la producción del proyecto hace que no puedas dejar de pensar en cosas de producción y no te acabas de centrar tanto en la Dirección. Por ello, de cara a próximos proyectos que estoy desarrollando desde mi productora, en la que somos Xavi y yo, tenemos muy claro que lo que queremos es que los proyectos que tenemos, ocuparnos nosotros de un primer proceso de desarrollo y después ya que lo lleve otra productora, porque es un reto. Desgasta mucha energía pensar en cosas de producción. Prefiero centrar esta energía en la dirección de los futuros proyectos.
