Cubrir tanto en la cercanía como en la distancia un evento como Sundance es una tarea casi de superhéroes. La variedad es tan amplia, el catálogo posee tantas alternativas, que es un juego de azar el cuadrar un programa a gusto del consumidor. Las distribuidoras lo tienen algo más fácil. Aparte de los visionados online, que les permite diversificar a cuantos miembros les plazca, tienen los objetivos claros: donde más se aplauda, la que más tuits genere, en traducción, lo que diga el público. De este modo, ya se han producido las primeras compras de esta 32ª entrega de Sundance: The Bronze (Relativity), Tangerines (Magnolia), The D Train (IFC), Dope (Open Road), The End of the Tour (A24) y The Overnight (Orchard) ya se han asegurado distribución estadounidense. Primer objetivo cumplido, no serán las únicas; el market en Park City bulle con la misma potencia que las masas en las salas.
En nuestra compilación de hoy, repasamos la acogida de 16 títulos de las diferentes secciones del festival. Entre ellas, destaca el nuevo trabajo de James Ponsoldt, un habitual en Utah, que proyectó la dramedia The End of the Tour acompañado por dos los baluartes del cine indie: Jason Segel y Jesse Einsenberg. Un solo día, contrato firmado y buenas críticas. Ponsoldt sigue el suma y sigue que comenzó con Tocando fondo (2012) y prosiguió con The Spectacular Now (2013). Junto a su cuarta obra, en Premieres destacó la proyección de lo nuevo de Robert Pulcini y Shari Springer Berman, Ten Thousand Saints, comedia generacional articulada bajo un excelente reparto que ha cautivado a parte de la disgregada crítica. Emile Hirsch, uno de los protagonistas, fue noticia durante el día de ayer por una denuncia de asalto sexual en el mismo certamen. No todo es oro... Aura dorada es lo que desprende la cubana Ana de Armas, muy valorada con el thriller sexual de Eli Roth Knock Knock. ¿El comienzo de una nueva etapa para la joven actriz de Santa Cruz del Norte? Sobre jóvenes que vienen pegando fuerte, por la ciudad de Salt Lake City apareció una irreconocible Saoirse Ronan para presentar la polémica Stockholm Pennsylvania. Las opiniones, dispares. De todas formas, y a modo de advertencia, al igual que el TIFF la valoración de la prensa en una celebración de estas dimensiones no es todo lo precisa que debiera. Ya veremos si en los próximos meses algunos entonan "donde dije digo, digo Diego".
The End of the Tour (James Ponsoldt, Estados Unidos, 2015 | Jesse Eisenberg, Jason Segel) | US. Premieres
Más que un retrato de Wallace, la película termina siendo una investigación de la condición humana fundamentalmente antinatural alrededor de la entrevista. El filme termina siendo, casi enteramente, un diálogo entre el Wallace interpretado por Segel y el Lipsky de Eisenberg, dibujando la entrevista (porque eso es lo que fue y nunca dejó de ser, por más intima y acusadora que se volviera la conversación) como una especie de invasión extranjera – Emily Yoshida (The Verge).
Hay muy poco drama y profundidad en esta dramatización del encuentro entre el periodista David Lipsky y el novelista David Foster Wallace. Segel captura el malestar del personaje en su propia piel pero la brillantez de su mente y de su talento es algo que debemos dejar a la fe (del espectador) – Dennis Harvey (Variety).
The End of the Tour es un profundo y afectado homenaje al querido escritor David Foster Wallace, y un éxito para Jason Segel. La película brilla con afecto y una luz admirable hacia un hombre que, de una manera u otra, influenció en la vida de muchas personas – Richard Lawson (Vanity Fair).
La película es bastante conmovedora, y en ocasiones, sabia. Lucha para no convertir a Wallace en un loco. Ponsoldt tiene la habilidad de llevar las escenas a donde uno espera, pero cogiendo una ruta alternativa. The End of the Tour es un cuento cautivador – Jordan Hoffman (The Guardian).
James White (Josh Mond, Estados Unidos, 2015) | NEXT
Familiar en su trayectoria general, pero profundamente cruda en su trayectoria emocional, el denso retrato de Mond de una madre y su hijo en crisis nos da un par de interpretaciones abrumadoras por parte de Cynthia Nixon y el ex alumno de “Girls”, Christopher Abbott. Los espectadores que busquen la elevación espiritual mejor miren a otro lado – Scott Foundas (Variety).
El debut en la dirección de Josh Mond es un logro profundamente personal. Lleva muchos de los sellos ya presentes en otras iteraciones en torno al síndrome Borderline, pero a diferencia de ellas, la de Mond ofrece accesibilidad a todos. A pesar del formalismo cerebral que lo empuja hacia delante, Mond ha realizado un auténtico dramón – Eric Kohn (Indiewire).
Una nueva película de la misma ‘escuela Sundance’ que produjo Simon Killer y Martha Marcy May Marlene, que demuestra estar a la misma altura, e incluso superarlas. Otros actores habrían exprimido cualquier oportunidad dramática para demostrar que valían la pena, pero Nixon y Abbot mantienen sus miradas en la desgarradora inevitabilidad de la situación – Damon Wise (The Guardian).
Hay economía y una adorable simplicidad en la manera en la que Mond esboza las relaciones a partir de destellos casuales. En la superficie, los elementos de la trama parecen bastante convencionales pero desde los primeros fotogramas y las confusas notas de la banda sonora, densamente cubiertas con música y ruido de ambiente, nos damos cuenta que esto es un retrato de ira, dolor y sufrimiento que se despliega al mismo tiempo sobre, y bajo la piel – David Rooney (The Hollywood Reporter).
The Russian Woodpecker (Chad Gracia, Reino Unido, 2015) | World Cinema Documentary
Un collage caleidoscópico sobre los disturbios de Kiev. Vibrante y con urgente imprudencia creativa, The Russian Woodpecker es un llamamiento a la integridad política perdida hace mucho. El mundo podría utilizar almas valientes como esta, utilizando la investigación y la autenticidad como un arma para el progreso político. – Jordan M. Smith (IonCinema)
La oportuna llegada de The Russian Woodpeccker puede ser motivo suficiente para convertirla en visionado obligatorio, pero es que además Alexandrovich y Ryzhykov son grandes personajes y componen unos ‘Holmes y Watson’ intrigantes, en este original documental hermosamente fotografiado – Michael Mejia (Salt Lake Magazine)
Ten Thousand Saints (Robert Pulcini, Shari Springer Berman, Estados Unidos, 2015 | Hailee Steinfeld, Emile Hirsch, Ethan Hawke, Emily Mortimer) | Premieres
Hawke aborda el alivio cómico con notable facilidad, mientras Butterfield y Hirsch funcionan muy bien como chicos que buscan convertirse en hombre. Dicho esto, las verdaderas estrellas aquí son las mujeres. Steinfeld brilla en un papel que anuncia claramente su transición de joven talento a actriz principal; al igual que Nicholson y Mortimer. Película muy honesta aunque demasiado pendiente de crear un ambiente perfecto. El núcleo de la película es universal, eso sí, independientemente de su ajuste. Dan Mecca (The Film Stage).
Una carta de amor a una antigua época en la ciudad de Nueva York, los últimos ochenta, Ten Thousand Saints supone el regreso del dúo de directores Shari Springer Berman y Roberto Pulcini a un tipo de cine más personal. En parte romance adolescente, en parte incomodo triángulo amoroso, en parte retrato de choques generacionales, esta comedia dramática calurosamente concebida resonará más fuerte en un público que conecte directamente con la época y el lugar de la historia – Geoff Berkshire (Variety).
Es una melancólica historia sobre el crecimiento, dulce y esperanzadora, que explora cada aspecto de las complicaciones de la vida. Aunque divertida y llena de corazón, no es una película estrafalaria o alegre. Atisbos de oscuridad y realidad recorren el estilo del filme y su contenido. – Katie Walsh (Indiewire).
Una historia sobre la madurez cuyos estragos por crecer se dividen no tanto entre adolescente como entre presumibles adultos, Ten Thousand Saints ofrece tanto una premisa como un entorno propicio para el sentimentalismo nostálgico, aunque se entrega poco a él. – John DeFore (The Hollywood Reporter).
Ten Thousand Saints retrata el caos de la familia post-nuclear en manos de hippies reformados, pero Henderson nunca juzga a sus personajes, y rara vez los sentimentaliza. La película tiene una comprensión intuitiva de las almas hambrientas de los adolescentes, iluminando sus contradicciones. – Meghan O’Rourke (The Guardian).
Stockholm Pennsylvania (Nikole Beckwith, Estados Unidos, 2015 | Saoirse Ronan, Jason Isaacs) | U.S. Dramatic
Austera y desconcertante. A pesar de que con un enfoque psicológico tan sensible tiene el potencial de explorar a fondo, el tratamiento carece de la emoción dramática de una historia sobre el peligro, ofreciendo papeles jugosos a Saoirse Ronan y Cynthia Nixon, pero muy poco acceso a sus pensamientos internos, perdiendo la atención del espectador más genérico. –Peter Debruge (Variety).
Hay que seguir de cerca de la guionista y directora debutante Beckwith. Las interpretaciones que ofrece son fenomenales, tanto como la nitidez de la puesta en escena visual y psicológica. Es capaz de hacer que el cuarto rosado de una niña parezca una prisión y una mujer sintiendo la lluvia por primera vez se perciba con horror y revelación. Con un poco más de madurez y confianza en su visión, Beckwith será capaz de volver, entregando algo que nos noqueará de principio a fin. – Bryan Moylan (The Guardian)
Un guión problemático con demasiados fallos de lógica debilita un par de poderosas interpretaciones. – David Rooney (Hollywood Reporter).
La directora posee claramente grandes habilidades, y la capacidad de sacar grandes interpretaciones de sus actores, pero el sordo error de juicio de la segunda mitad de la película es catastrófico. Saoirse Ronan da una impresionante interpretación, taciturna y alienada que, una vez más, demuestra sus capacidades. – Rodrigo Perez (Indiewire).
Nicole Beckwith posee una colección de buenas ideas, pero falla a la hora de ahondar en ninguna de ellas de manera efectiva. La película lucha por construir personajes complejos, y cuando lo hace, rara vez pasamos suficiente tiempo con ellos o se ahonda en su psicología. Es ocasionalmente interesante, y posee buenos detalles, sutiles. Pero en general es un tedioso romance donde lo más estimulante procede antes del concepto que de la ejecución. – Matt Goldberg (Collider).
Cartel Land (Matthew Heineman, Estados Unidos, 2015) | U.S Documentary
Captura material audaz de las primeras líneas de las guerras de narcos y ofrece una nueva perspectiva al tema. Vibrante y electrizante. – Katie Walsh (Indiewire).
Hay una gran película en Cartel Land, un arenoso documental a pie de calle sobre la vigilancia entre la frontera de México y Estados Unidos. – Sean P. Means (The Salt Lake Tribune).
Knock Knock (Eli Roth, Estados Unidos, 2015 | Keanu Reeves, Lorenza Izzo, Ana De Armas) Park City at Midnight
El monólogo de Keanu Reeves comparando el acto de infidelidad a la pizza gratis es un momento que parece destinado a la canonización de culto en Knock Knock, la divertida y lustrosa puesta al día de la película exploitaiton de 1977 de Peter Traynor, Death Game. Se pueden augurar buenos resultados comerciales. – Ben Kenigsberg (Variety).
Knock Knock, en su mayor parte, va a donde se le espera. Es una trama conocida pero la película es lo suficientemente enérgica para que su familiaridad no es un problema. Reeves, Izzo y de Armas llevan su personajes con realismo. Jack Giroux (The Film Stage).
Durante casi la mitad de Knock Knock, ésta presenta situaciones frescas, difíciles y sumamente incomodas para los personajes. Y precisamente porque uno no tiene ni idea de lo que va a ocurrir, emociona y aterra a su propia y única manera. Es otro ejemplo de lo que Eli Roth sabe hacer mejor: construir tensión, plantear preguntas, y hacer sentir incomodo al público. Más allá de algunos golpes bajos, Knock Knock es un disfrutable y original recorrido. – Germain Lussier (SlashFilm)
El thriller sobre allanamientos de Roth no está exento de emociones baratas, pero nunca alcanza el potencial de su premisa. Aún así, mientras “Green Inferno” tuvo problemas desde sus valores de producción baratos y su vacío compromiso para con el gore, “Knock Knock al menos provee una disfrutable y ridícula interpretación de Keanu Reeves y algunas inteligentes puñaladas satíricas al cuello de la ‘America blanca’- Eric Kohn (Indiewire).
Si quieres ver una insoportable adaptación de la escena en la que Lenny, el ridículo Mogway, causa destrozos en el apartamento de Billy en Gremlins 2, entonces Knock Knock es tu película. Si no, todo lo que te queda es una película con dirección, montaje y diálogos a la par que un telefilme. Estos son golpes bajos para estar seguro, pero Knock Knock debería ser noqueada. – Justin Gerber (Consequence of Sound)
The D Train (Jarrad Paul, Andrew Mogel, Estados Unidos, 2015 | Jack Black, James Marsden, Kathryn Hahn) | Premieres
Una comedia extraña y oscura, con un bienvenido giro bizarro de Jack Black – Todd McCarthy (Hollywood Reporter).
Jack Black y James Mardsen hacen una buena pareja en pantalla, en un ‘bromance’ de humor negro que llega lejos pero no lo suficiente – Justin Chang (Variety).
Una comedia que no teme indagar en su premisa. Lo que hace única a la película es el compromiso de los directores para centrar la historia en un momento indignante y llevarla desde ahí a una conclusión, si cabe, más asombrosa. – Gregory Ellwood (HitFix).
Será, sin duda, una de las comedias más provocadoras y polarizadoras que arrasará los cines en los próximos meses. – Michael Roffman (Consequence of Sound).
The Hunting Ground (Kirby Dick, Estados Unidos, 2015) | Documentary Premieres
Este electrizante y convincente documental parece destinado a reverberar en el discurso público y más allá, igualando o superando la importancia del debut del director. No sacrifica la urgencia o fuerza de su mensaje. – Ben Kenigsberg (Variety)
Por encima de todo, el inquietante retrato de Dick sobre un tema de importancia nacional es una conmovedora llamada a la acción. – Eric Kohn (Indiewire).
Dick y su productora Amy Ziering se ponen la ambiciosa tarea de crear un documental que englobe un enorme panorama, creando una narrativa unificadora que le de un sentido de materia pública a lo que son experiencias profunda e intensamente personales. El resultado es un impactante y electrizante trabajo de investigación. – Leslie Felperin (The Hollywood Reporter).
The Overnight (Patrick Brice, Estados Unidos, 2015 | Taylor Schilling, Adam Scott, Jason Schwartzman) | U.S. Premieres
Un cuarteto de actores perfectamente encontrados salva las pequeñas y generalmente impredecibles travesuras de la segunda película del director y guionista Patrick Brice. – Geoff Berkshire (Variety).
Un regreso a la comedia libertina esporádicamente divertida, pero no del todo bien realizada. – David Rooney (The Hollywood Reporter).
De factura preciosista (la podría haber dirigido Winding Refn), el film es visualmente estimulante con personajes hipersexualizados. Su fundido a negro deja una sensación de enorme nostalgia. A. Michael Roffman (Consequence of Sound).
The Overnight es una película ligera pero con los giros suficientes para convertirla en una más que atractiva propuesta. Jason Bailey (Flavorwire).
Adam Scott y Taylor Schilling son seducidos por Schwartzman y su esposa en una sátira sexual de principio prometedor pero que gira a comedia convencional desgraciadamente. Jordan Hoffman (The Guardian).
Sam Klemke Time Machine (Matthew Bate, Australia, 2015) | New Frontiers
Klemke y Bate han creado una absorbente y, en ocasiones, emocionante maquina digital del tiempo de más de tres décadas de historia personal y planetaria. – Justin Lowe (The Hollywood Reporter).
Un híbrido documental único que convierte varias décadas de un hombre autograbándose en existencial mensaje en una botella. – Dennis Harvey (Variety).
Seoul Searching (Benson Lee, Estados Unidos, 2015) | Premieres
Original tributo a las comedias adolescente de John Hughes. Inspirándose libremente en situaciones y temas familiares de las películas de instituto que estableció el legado del renombrado director y guionista, Lee ha creado una entretenida alternativa que sustituye a los jovenes suburbanos de Hughes por un casting asiático internacional. – Justin Lowe (The Hollywood Reporter).
A Walk in the Woods (Ken Kwapis, Estados Unidos, 2015 | Robert Redford, Nick Nolte) | Premieres
Algo así como una divertida, geriátrica versión de Alma Salvaje, este filme largamente concebido sobre el libro de Bill Bryson, A Walk in the Woods, de 1998, ofrece pasar un rato alegre, repartiendo sonrisas y alguna fuerte carcajada. A pesar de que no ofrece nada especial a nivel cinematográfico es un agradable escaparate para la estrella Robert Redford. – Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).
A Walk in the Woods entretiene con la novedad de ver Redford en la naturaleza una vez más con otro socio. Trágicamente, el papel de Katz era originalmente para el fallecido Paul Newman, y como tal, hay varios guiños situacionales a Butch Cassidy. Lo que podría haber sido que nunca lo sabremos, pero lo que tenemos es una producción solo interesante elevada por un par hilarante de iconos. C+. Michael Roffman (Consquence of Sound).
No es una película desechable pero bastante decepcionante teniendo cuenta a sus protagonistas. Chris Bumbray (JoBlo).
Redford y Nolte comparten una estupenda química, suficiente para considerar a A Walk in the Woods como algo muy disfrutable. (The Salt Lake Tribune).
Strangerland (Kim Farrant, Australia, 2015 | Nicole Kidman, Joseph Fiennes, Hugo Weaving) | World Cinema Dramatic
Un drama incómodo que intenta combinar el misterio, las tramas policíacas y el psicodrama. Kidman y Weaving tiene buena química. – Boyd van Hoeij (The Hollywood Reporter).
El director Kim Farrant hace un buen uso del paisaje australiano y sus estrellas, pero después de unos amaneceres y puestas de sol, todo comienza a desdibujarse. Nicole Kidman está correcta, no tanto un Fiennes fuera de lugar. Jenni Miller (The Playlist).
Este desconcertante thriller aussie sobre la desaparición de los niños de una pareja deja al público en una enbarullada oscuridad. Brian Moylan (The Guardian).
La trama se extiende en exceso pero el filme sale adelante gracias al buen trabajo de unos Kidman y Fiennes que tiran de experiencia. Su factura técnica es excelente. Heath Jones (The Film Stage).
Chorus (François Delisle, Canadá, 2015) | World Cinema Dramatic
Drama emocional y sombrío al que le cuesta conectar – Justin Lowe (The Hollywood Reporter).
La película puede ser un poco escasa como para hincarle el diente, pero es un buen trabajo, con una sobria fotografía en blanco y negro y unas hermosas interpretaciones de Mallette y Ricard – Todd Wilcox (Film Pulse).
Pese a su mejorable final, Chorus es un filme tan agridulce como disfrutable. Alexander Ortega (Slug Magazine).
El único gran incoveniente de la película es su narración, demasiado morosa. Su poso, sin embargo, es duradero gracias a unas excelentes interpretaciones y la acertada mirada teatral de Delisle. Dylan Griffin (Sound and Sight).
Sembene! (Samba Gadjigo, Jason Silverman, Senegal, 2015) | World Cinema Documentary
Académica en su planteamiento, pero muy informativa así como sorprendente en la medida en que enfoca las debilidades de su figura, y sus deficiencias morales, la película supone un foco de bienvenida a un artista ingenioso y singular. – Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).
texto| Emilio Luna
traducciones| Emilio Luna y Gonzalo Hernández
