Especial In-Edit 2014

El pasado domingo, día 2 de noviembre, finalizó una nueva edición del Beefeater In-Edit en Barcelona. El que empezara como un modesto certamen musical, se ha convertido en un masificado espectáculo multiplataforma donde se organizan conciertos y eventos, además de la proyección de un género poco cultivado como puede ser el documental musical. Una exitosa duodécima entrega que dejó, como en todo buen festival que se precie, un palmarés donde American Interior fue la gran triunfadora, acompañada por Pete & Toshi get a camera como finalista. En el panorama nacional, el premio gordo se lo ha llevado Un lloc on caure mort y la mención especial para I need a Dodge! Joe Strummer on the run. Lejos del listado de premiados, el In-Edit ofreció una excelente variedad de propuestas. Una máxima que lo convierten, a nivel nacional, como el blasón del cine documental dedicado a la música. A continuación, reseñamos las obras más destacadas:

Finding Fela (Alex Gibney, Estados Unidos, 2014)

Finding Fela es el nuevo documental de Alex Gibney, ganador de un Óscar en 2008 por el documental Taxi to the Dark Side. En esta ocasión, el director neoyorquino pone su atención a Fela Anikulapo Kuti, un músico creador del movimiento Afrobeat y personaje crítico con los regímenes dictatoriales de su Nigeria natal durante los años 70 y 80. El realizador se adentra en su vida con recursos clásicos del género documental, mezclando imágenes de archivo con declaraciones de sus seres queridos, críticos de música y los creadores del musical de Broadway sobre su vida.

La obra busca una acurada radiografía a la personalidad y a la convulsa época en qué vivió, donde el auge de los derechos humanos intentaba hacer frente a las tiranías. El problema reside en que Fela le queda grande a un Gibney que nunca parece tener claro que documental tiene entre manos. Las imágenes de archivo son tan potentes que la mayoría de los testimonios resultan redundantes e innecesarios. En ningún momento muestra la mística, la rabia y el poder que tenían las larguísimas composiciones (duraban unos 30 minutos cada una de ellas) de Fela y su banda. Aun así, es destacable el uso del musical de Broadway para ver el proceso de adaptación de una biografía real al escenario, lástima que a nadie se le ocurrió preguntarle nada al actor que personifica a Fela. Agridulce resultado para un documental que es superado por el propio mito. 53/100.

Heaven Adores You (Nickolas Dylan Rossi, Estados Unidos, 2014)

La extraña y prematura muerte de Elliott Smith causó un fuerte impacto en el mundo musical. Con Heaven Adores You, el director Nickolas Rossi revive a la figura y al mito con un documental al uso articulado bajo una voz en off que nos va guiando y declaraciones complementarias de su círculo más íntimo. El trabajo de Nickolas Dylan se centra en la figura del tejano que triunfó en Portland para mostrarnos desde sus inicios en una banda de punk, hasta el proceso de creación de sus álbumes en solitario, pasando por el salto a la fama gracias a la nominación al Óscar de la canción para la película El indomable Will Hunting.

El filme es un bonito homenaje que gustará, sobre todo, a los seguidores de Elliott Smith. Anécdotas simpáticas se entremezclan con la música del propio intérprete en un recorrido a través de los años. A pesar de eso, Heaven Adores You es un producto blando, que en ningún momento intenta entender a su figura protagonista, ni indagar sobre sus temores. Rossi no se ensucia las manos con los claroscuros de la vida de Smith, simplemente se centra en lo más placentero de ella. Lo mejor del largo es la música, que habla por sí sola, lo demás es un intento fallido sin demasiado oficio ni objetivo claro. Excesivo respeto para una figura cuya vida y producción musical daba para un producto mucho más interesante. 45/100.

As the Palaces Burn (Don Argott, Reino Unido, 2014)

Tras su paso por el el IDFA y los festivales de Göteborg y Nyon llega el documental más enérgico. As the palaces burn es una narración sobre la evolución del grupo metal estadounidense Lamb of God y la influencia del estilo musical en la vida diaria de sus más acérrimos fans y el momento en que acusan a Randy Blythe, cantante y líder de la banda, de homicidio tras la muerte de un fan en un concierto en República Checa en 2010. El encargado de orquestrar y ordenar todos los elementos expuestos es Don Argott, documentalista de probada experiencia para tratar el hard-rock y el heavy con previos trabajos que pasaron por festivales como el de Londres o Sundance.

En su primera mitad, As the palaces burn rompe con los estigmas del diabólico estilo musical gracias a la humanización de los miembros del grupo, con sus fallos y sus virtudes, y a los testimonios de los fans, que le dan una naturalidad y expresividad única al discurso. El relato da un giro de 180º en el momento que empieza el drama judicial. Poco a poco el manifiesto a favor de la música personalizado por Lamb of God se convierte en una minuciosa disección de los excesos encima del escenario y detrás la barrera durante los conciertos y los caprichos del destino. Su mayor virtud es hacer un producto cómplice para con un espectador que pueda disfrutar y vibrar con la música, independientemente del género. 73/100.

The Revenge of the Mekons (Joe Angio, Estados Unidos, 2013)

The Mekons, el grupo británico originario de Leeds, empezó como tantos otros en una época convulsa de la Historia de su país y a pesar de que no tenían ningún tipo de habilidad musical, usaron sus canciones como medio para expresar sus opiniones políticas y sociales. A lo largo de los más de 30 años que llevan en activo han evolucionado hacia el country y el folk mezclando géneros sin ningún tipo de pudor. The Revenge of the Mekons es una fábula sobre la amistad, la compenetración y la ingenua y soñadora ilusión de triunfar en la industria musical.

Joe Angio pone su mirada sobre el grupo punk-folk para dibujarnos, a través de todos los miembros y los años, una historia pagada de letras, iniciativas, risas, fracasos y momentos embarazosos. Hay borracheras, pero no hay victoria en esta simpática y divertida crónica sobre el patetismo humano. The Revenge of the Mekons da una vuelta de tuerca al paradigma del éxito musical y construye toda la narración afirmando que su longeva carrera es gracias a la falta de fama y estrellato. Una numerosa banda que acepta cualquier bolo mientras cubra los gastos. Un canto a las virtudes de la música para el ser humano y como medio expresivo. Una melodía alejada de grandes escenarios sobre un crisol de personalidades complementarias que construyen un grupo con identidad y carácter. 75/100.

Pete and Toshi get a Camera (William Eigen, Estados Unidos, 2014)

Pete and Toshi get a camera nos cuenta el obligado año sabático que se tomó Pete Seeger y, con él, toda su familia dando la vuelta al mundo después de ser acusado por McCarthy y su Comité de Actividades Anti-Americanas durante los primeros años de la Guerra Fría en los 50. El icono folk estadounidense decide comprarse una cámara de segunda mano para grabar algunos de los músicos escondidos en los más recónditos lugares del planeta. El foco central del documental no es tanto la familia Seeger, sino ese espíritu humano y filantropía que siempre ha caracterizado las canciones y mirada del neoyorquino.

William Eigen, su director, es el encargado de recoger esas pequeñas y curiosas piezas y darle forma y unidad a todo. Lo consigue mediante una argucia facilona y clásica: un mapa y un avión que nos muestra los viajes y los países a los que asistimos con la familia. Todas y cada una de las estancias resultan una píldora simpática llena de lírica y humanidad. Aun así, la gran familia es siempre en centro de gravedad de la historia, le da personalidad y credibilidad a todos los relatos mediante anécdotas que aparecen fuera de plano. Pete and Toshi get a camera se convierte en un canto (y nunca mejor dicho) a la diversidad a la comunidad, a la amistad y al respeto mutuo. Unos valores que Pete Seeger llevó consigo hasta el final de sus días. 67/100.

Freddie Mercury: The Great Pretender (Rhys Thomas, Reino Unido, 2012)

Freddie Mercury, después de casi 23 años de su prematura muerte, sigue siendo el rey del rock por méritos propios, y generando una gran expectación aunque solo sea para ver imágenes de archivo inédito y escucharlo a través de la pantalla una vez más. The Great Pretender, tras hacer una breve introducción de la vida de Freddie y Queen, pasa a centrarse exclusivamente en el vocalista y su lucha para sacar un disco en solitario igual de bueno que los que hizo en el cuarteto británico; así como su amor por la música clásica y la bonita amistad que trabó con Montserrat Caballé, con quien sacaría el álbum Barcelona.

Rhys Thomas, propone un entretenido reto al espectador, descubrir por un lado la excéntrica personalidad de Freddie, ese gran “farsante”, y, por otro, intentar descubrir quién era en su vida privada Farrokh Bulsara. A medida que avanza la película, vamos diferenciando esas dos personalidades gracias a entrevistas a gente cercana que complementa las citadas instantáneas archivadas. La obra emociona y divierte. Se convierte en un digno intento en acercarse a una figura que por su conexión con el público y su impacto en la sociedad de los años 70 cambió los anales de la música. Una gran y misteriosa leyenda forjada a base de fuertes contradicciones. 67/100.

Jingle Bell Rocks! (Mitchell Kezin, Canadá, 2013)

Mitchell Kezin, director y protagonista de Jingle Bell Rocks tiene una curiosa obsesión: colecciona vinilos y CDs de villancicos. Con este punto de partida el filme nos propone un viaje por la música navideña alternativa alejada de las melodías alegres y prefabricadas de los grandes éxitos como “Have yourself a happy Little Christmas” o “White Christmas”. El documental, además, es un acercamiento al fenómeno del coleccionismo analógico en el que la emoción de encontrar algún disco que pueda ser interesante es incluso más importante que escucharlo, tal y como ha reconocido el director en el Q&A posterior a la película. Donde no importa tener la misma pieza dos veces si la portada es diferente.

El hecho de que Kezin se coloque delante de la cámara se convierte en una magnífica estrategia de fidelización. No es difícil ver en el protagonista al friki que todos llevamos dentro y que ha hecho alguna locura para completar una colección o para sentir su hobby completo. La cinta está estructurada en forma de descubrimiento que poco a poco te hace partícipe de todos los descubrimiento de este subgénero navideño de forma cercana y cautivadora. Además, visualmente Jingle Bell Rocks! aprovecha casi a la perfección todos los recursos cinematográfico-documentales desde los primeros minutos. La acción es contada mediante la perfecta integración de infografías, entrevistas, rodajes e imágenes de archivo. Un producto más que interesante. 72/100.

Gozaran – Time Passing (Frank Scheffer, Países Bajos, 2012)

Frank Scheffer, prolífico documentalista, tenía cuatro películas en la presente edición del festival. Gozaran es la más reciente y formará parte de una especie de trilogía en el que el director holandés busca el alma de la música a través de la poesía en los países orientales, concretamente Irán, China e India. Gozaran sigue a Nader Mashayekhi, director que funda una orquestra de música clásica en Irán y buscará una reinterpretación persa de Mahler. El proyecto, que empezó como documental para televisión, es una nueva demostración de que a pesar de la censura que sufre Irán en los últimos años, su efervescencia cultural sigue intacta.

Mashayekhi nos transmite una mirada foránea —lleva toda su vida en Viena—, y a la vez autóctona que nos ayuda a (re)descubrir la nación bañada por el Pérsico. Mediante una impoluta fotografía y una sentida narración en la que las voces en off y la poesía son uno, nos muestra una poética visión de la lucha diaria para que la cultura prevalezca y sobreviva. Es una lástima que el mensaje crítico pierda fuerza ante el lirismo de su narración. Su ritmo lento y cadencia letárgica se intenta compensar con el impulso del sentimiento y la emoción de los personajes y de la música. El resultado final es agridulce: por un lado asombra su capacidad de transmitir mediante la readaptación de piezas clásicas; y, por otro, parece que esa aptitud deja el reproche en un grito demasiado silencioso. 60/100.

Supermensch: The Legend of Shep Gordon (Beth Aala, Mike Myers, Estados Unidos, 2013)

Mike Myers, el que fuera Austin Powers, la voz original de Shrek y habitual de programas como Saturday Night Live, se ha puesto por primera vez detrás de las cámaras para firmar este documental. Supermensch nos muestra la figura de Shep Gordon, uno de los managers más importantes de Hollywood. Una oportunidad para ver cuál es la verdadera función de la sombra de los grandes artistas.

Como ya le pasara a Jodorowsky’s Dune, la principal baza de la película es el personaje central, en este caso Shep Gordon, un hombre, a día de hoy retirado, que no tiene pelos en la lengua y con su sinceridad y su sonrisa se gana al espectador con un par de anécdotas tan surrealistas como hilarantes. Sus inicios como mánager conociendo a Janis Joplin, Jimmy Hendrix, su sincera relación con Alice Cooper o el divertido encontronazo con Steve Jobs son solo algunos ejemplos del extenso currículum de celebridades con quien se rodeo y se sigue rodeando Shep Gordon. Risas aseguradas para un cómico y ágil documental gracias a un frenético montaje, concebido como una feel good movie de manual. 72/100.

A Spell to Ward off the Darkness (Ben Rivers, Ben Russell, Francia, 2013)

Premiada en Toronto y partícipe en Locarno y en Londres, A Spell To Ward Off the Darkness está dirigida por la dupla Ben Rivers y Ben Russell. El filme, inclasificable de principio a fin, es una suerte de viaje espiritual de un personaje anónimo que marcha de una comuna en Estonia a unos bosques de Finlandia para acabar en un concierto de black metal en Oslo.

Sin ningún argumento ni ningún intento de narración estructurada, este trabajo pretende involucrar en una experiencia diferente al espectador. La realidad es que lo críptico de la propuesta, con asociaciones libres de los planos mediante el montaje, así como el agotamiento de éstos, la hacen una obra dura y difícil de comprender. El viaje que retrata se queda en un salto de localizaciones aleatorias y cuesta diferenciar un clímax a lo largo de sus 98 minutos de duración. A Spell To Ward Off the Darkness ha sido, probablemente, la creación más extrema de la presente edición del In-Edit. Una cinta sin concesiones que busca el esfuerzo máximo del espectador, un sacrificio demasiado grande para este documental fallido compuesto por unas imágenes que desprenden mucha fuerza pero también vacuidad. 20/100.

American Interior (Dylan Goch, Gruff Rhys, Reino Unido, 2014)

American Interior es un proyecto multiplataforma del artista Gruff Rhys y que se compone de una película, un elepé y una aplicación móvil. El cantante galés vuelve a colaborar con el director Dylan Goch para contarnos la historia de un antepasado suyo, John Evans, cuya misión fue encontrar a una tribu nativa americana que hablaba galés. Para hacerlo, Rhys se dedica a trazar el mismo viaje haciendo actuaciones mientras investiga sobre el tema. Esta dupla ya hizo un documental parecido, concretamente sobre otro antepasado en la Patagonia titulado Separado! El documental ganador de la Sección Internacional de esta edición del Beefeater In-Edit había pasado anteriormente por diferentes festivales entre los que destaca el South by Southwest (SXSW).

La obra está construida como una road movie por partida doble, por un lado la del cantante y, por otro, la recreación, muñeco mediante, del recorrido de John Evans. Todas las figuraciones van de la mano de la composición del tema homónimo de la película. Un tema que se va construyendo a medida que se va conociendo la verdadera historia del pionero galés. El particular humor de Gruff Rhys y el eclecticismo de estilos que mezcla riguroso blanco y negro con detalles de color, además de ilustración, le dan personalidad a un producto alejado del documental al uso. Y hace de American Interior un más que interesante filme que aúna narrativas que rompen cualquier eje espacio-temporal. 65/100.

20.000 días sobre la Tierra (20.000 days on Earth, Iain Forsyth, Jane Pollard, Reino Unido, 2014)

20.000 Days on Earth fue la escogida para la gala de clausura de la 12ª edición del festival Beefeater In-Edit. Anteriormente, había triunfado en Sundance, ganando mejor dirección y edición, y causando muy buenas sensaciones en Estambul, Sidney, Atenas, y San Sebastián. El filme, que, probablemente, será de las pocas, sino la única, participantes del festival que se estrenará en cines de manera mínimamente comercial, es un magnífico viaje interior del proceso creativo/filosófico/filantrópico del gran Nick Cave

El documental dirigido por Iain Forsyth y Jane Pollard, nos sitúa en el día 20.000 del cantante australiano. Nos abren la puerta a su mundo creativo, un lugar donde las barreras de la realidad y la ficción no son claras, un espacio donde hechos reales impregnan su imaginario creativo. La construcción de todo el documental nos empuja a la búsqueda de ese momento verdadero no solo en la composición musical, sino también de nuestra propia vida. Además, la obra hace una reflexión sobre la mitología que forma parte de la vida y el paso del tiempo. Un filme técnicamente impecable, con una fotografía de Erik Wilson y con un montaje de Jonathan Amos que son capaces de dar ritmo y a la vez no cortar ni apresurar esos momentos en los que lo concreto y lo etéreo se fusionan. Una maravilla. 79/100.