Especial Festival Skyline Benidorm | Parte II

Especial Skyline Benidorm Film Festival

Parte II | 9ª edición

La segunda jornada de cortometrajes, dentro de la sección oficial nacional del festival Skyline de Benidorm ha intensificado su propuesta, tanto en contenidos como en números. Se han presentado diez nuevos cortometrajes, algunos de los cuales ya han recorrido exitosamente el camino de anteriores festivales y premios; es el caso de, por ejemplo, Semillas de kivu, descarnado retrato documental del drama de las mujeres congolesas de la mano de las milicias Hutus, dentro de un marco sociopolítico devastador para la población local, obra ganadora de los pasados premios Goya a mejor cortometraje documental. Asimismo, hemos podido ver dos interesantes obras de animación, como Tesoro (Carme Álvarez Muñoz) o Felina (María Lorenzo), así como films muy comprometidos, cada uno a su manera, con la visibilización y dignificación de la lucha del colectivo LGTBQ+: Violetas (Borja Escribano) o Còlera (José Luis Lázaro).

El Showman

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «El Showman». Dirección: Cristian Martínez Lozano. Guion: Cristian Martínez Lozano, Miguel López Lloret. Compañías: Socraty Films, Wayaba Arquitectos Audiovisuales, Juno Media, Arca Films. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Juan Francisco Giménez Pérez. Montaje: Cristian Martínez, Miguel López. Música: Adrián Berenguer. Reparto: Jorge Silvestre, Yala Romero, Alan Miranda, Sara Jiménez, Diego Juan. Duración: 18 minutos.

La propuesta discursiva que el director Cristian Martínez presenta con El showman pretende interpelarnos y cuestionar la entidad que tenemos como público en el consumo masivo del entretenimiento en sus diversas formas, además de la responsabilidad que debemos (o no) asumir al participar pasivamente de ciertos contenidos audiovisuales. Un desconocido llama a la puerta de una casa familiar durante el fallido golpe de estado del general Tejero, y pide ayuda, pues parece haber sufrido un accidente automovilístico. Este disruptor de la apacible rutina familiar muy pronto se desvela como el perverso showman al que alude el título, y, tras asesinar al padre (Diego Juan) —en el segmento “Golpe de estado”—, obliga a la reciente viuda y sus dos hijos a votar por quién de los tres restantes miembros debe morir —en el segmento “Democracia”—. Más allá del cierto interés que pueda generar la propuesta, así como de los correctos apartados técnicos, el principal inconveniente que presenta El showman es en lo vago, lo poco trabajado que es su contenido discursivo. Las rupturas de la cuarta pared y las diatribas morales que el perverso “entertainer” (Jorge Silvestre) plantea a la madre (Yala Romero) y sus dos hijos (Sara Jiménez y Alan miranda) en esta home invasion movie carecen de la profundidad necesaria para tratar el tema propuesto —una reflexión que ya realizó Michael Haneke con Funny Games (1997)— y se queda en un mero artefacto vacío.

Semillas de Kivu

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Semillas de Kivu». Dirección: Néstor López, Carlos Valle Casas. Guion: Teresa Bellón, Néstor López. Compañías: Auntie Films, Filmakers Monkeys. FFotografía: Pablo D. Solas. Montaje: Cristina Otero. Música: Arturo Cardelús. Reparto: Neema Byenda, Pepe Castro, Aliné Kanega, Denis Mukwege, Pilar Sancho, Charlotte Shamavu. Duración: 29 minutos. ​ IMDb+2

Los directores Néstor López y Carlos Valle invirtieron siete años de vida y esfuerzo para sacar adelante Semillas de Kivu, un documental sobrio, arriesgado y, sobre todo, dignificador, acerca del casi inenarrable sufrimiento de las mujeres de la provincia congoleña homónima. Un prólogo demoledor nos presenta la situación terrorífica a la que ha sido sometida la comunidad durante más de dos décadas. Las guerrillas Hutus han masacrado y humillado sistemáticamente a la población local (con la indiferencia o la connivencia del gobierno), destruyendo el tejido social. Las violaciones masivas se han convertido en el arma de tortura colectiva más utilizada, destruyendo cualquier posibilidad de futuro. En palabras del doctor Mukwege, director del hospital Panzi, único recinto que brinda ayuda psicológica y médica a las víctimas, estos actos atroces tienen consecuencias transgeneracionales. El principal acierto de López y Valle es dar un paso atrás y poner su cámara únicamente al servicio de las voces de las víctimas, quienes, en un acto de dignidad y fuerza inspiradoras, narran el daño, la herida insoportable, mientras intentan navegar el presente, reconstruyéndose física, mental y emocionalmente para sacar adelante a sus familias y resignificar el futuro de sus hijos, fruto del horror y a la vez símbolos de la inocencia pura y la esperanza de futuro. Semillas de Kivu es una obra brillante, audaz y sincera.

Ángulo muerto

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Ángulo muerto». Dirección: Cristian Beteta. Guion: David Verdugo. Compañía: La Dalia Films. Fotografía: Àlex D. Sala. Música: Beatriz López-Nogales. Reparto: Eva Llorach, Carlos Santos. Duración: 15 minutos.

Cristian Beteta se atreve con Ángulo muerto a explorar las consecuencias de la pérdida y los mecanismos del duelo en una situación de dolor, shock e imposibilidad emocional. Una pareja destruida se da cita clandestinamente en un lugar apartado para conversar acerca de la muerte reciente de su hijo adolescente, obligado a quitarse la vida tras sufrir una violenta agresión sexual. A partir de esta premisa, se ramifican las reacciones emocionales del padre (Carlos Santos) y la madre (Eva Llorach) ante la impotencia del suceso. El principal problema que presenta Ángulo muerto como conjunto no tiene que ver con las correctas actuaciones de Llorach y Santos, ni con la ejecución de Beteta, sino, más bien, con el guion de David Verdugo. Los diálogos del padre y la madre no responden a una dinámica de dos personas separadas y devastadas por la tragedia, con la sangre en los ojos y el deseo de venganza; cada línea parece destinada a nosotros, a explicarnos a los espectadores qué es lo que ha ocurrido, y, además, lanzando un giro narrativo con intención de generar sorpresa que, lamentablemente, se derrumba por su propio peso.

Felina

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Felina». Dirección y guion: María Lorenzo. Producción: Enrique Millán. Compañía: Universitat Politècnica de València. Festival de presentación: Animac Lleida. Distribución en España: Institut Valencià de Cultura. Música: Armando Bernabeu Lorenzo. Sonido: Martí Guillem, Pedro Aviñó. Animación: Marta Gil, María Lorenzo, Alberto Sanz, Gael García, Carla Moliner. Dirección de arte: Julia Happymiaow. Voces: Laura Candela, Juan Sastre. Duración: 12 minutos.

María Lorenzo escribe y dirige Felina, un audaz cortometraje de animación, con un estilo minimalista y parco. Esta es la historia de una mujer que descubre una mañana su embarazo y, dada una condición muy particular en su propia situación vital, se siente incapaz de revelarle la noticia a su pareja, un pianista ciego. Su huida en mitad de la noche se verá atropellada por la irrupción de cierto personaje malvado, quien la secuestra y la obliga a exhibirse en un circense cabaret de animales. Porque la condición particular de su protagonista es que se transforma en una pantera. Bajo esta instrumentalización de su animalidad se oculta un subtexto de gran violencia, ejecutado con la suficiente sutileza para despertar la reflexión crítica. Lorenzo consigue no solamente homenajear a algunos de sus probables cineastas referentes (Todd Browning, F.W. Murnau), con una economía de medios que sorprende por su elegancia y sus toques de expresionismo, sino que además es capaz de narrar una historia que fluye entre el género fantástico y el drama emocional de quien no está seguro de si recibirá la ayuda y comprensión de su círculo íntimo, si se muestra, sincero y vulnerable, tal y como es.

Co-haunting

ficha técnica:
España, 2023. Título original: «Co-Haunting». Dirección y guion: Adrián Carande, Pepe Rico, Paula Sánchez Álvarez. Compañía: Corte A Films. Festival de presentación: TerrorMolins 2023. Fotografía: Albert G. Casademunt. Reparto: Morgan Bautista, Adrián Carande, Albert G. Casademunt, Carla Morales, Pepe Rico, Paula Sánchez Álvarez. Duración: 11 minutos.

Paula Sánchez, Adrián Carande y Pepe Rico escriben, dirigen y protagonizan una comedia simpática y ligera, sin ocultar cierta preocupación social, cierto anclaje en el zeitgeist en el que vivimos. Co-haunting, como neologismo, es una estrategia de las inmobiliarias barcelonesas para ofrecer vivienda en alquiler precaria a “bajo” precio, escondiéndose tras la condición particular para la habitabilidad: los inmuebles están encantados bajo el yugo de un fantasma. A modo de mockumentary, un equipo de rodaje se adentra en la vida cotidiana de Morgan (Morgan Bautista), Adrián (Adrián Carande) y Paula (Paula Sánchez), compañeros de piso en sus treintas, que han aprendido a aguantar el boicot constante del fantasma de su co-haunting, empeñado en convertir el agua del grifo en sangre o tirarles las cosas de las estanterías. En el límite de su paciencia, deciden hablar con una mediadora. Con un tono ligero que toma prestadas influencias de sitcoms recientes (The office, Parks and Recreation) o comedia independiente (Lo que hacemos en las sombras, de Taika Waititi), Co-haunting es una propuesta tan divertida como original. La idea original es tan autosuficiente, que sostiene el resto de elementos de su humilde arquitectura sin ningún problema, ofreciendo además una mirada a la precariedad socioeconómica de la generación millennial.

Cólera

ficha técnica:
España, 2025. Título original: «Còlera». Dirección y guion: Jose Luís Lázaro. Compañías: Aire de Cinema, Wicker Films. Festival de presentación: Festival de Málaga. Distribución en España: Selected Films Distribution. Fotografía: Josep H. Vallés. Música: Jorge Tórtel, Jordi Sapena. Montaje: Sergi Merchan. Reparto: Manuel Canchal, Jorge Motos, Nacho Fresneda. Duración: 9 minutos.

Filmado en un ensayado plano secuencia, Còlera, del valenciano José Luis Lázaro, presenta una premisa tan sencilla como aterradora: una pareja joven (Manuel Canchal y Jorge Motos), al regresar de la playa, se ve en una situación de necesidad (han dejado las llaves dentro del coche) y, al buscar ayuda, se topan con que la fachada del buen samaritano (Nacho Fresneda) que acude se derrumba, revelándolo como un agresivo y homófobo atacante. En solo nueve minutos, la dureza de las imágenes de la obra de Lázaro se sustenta en una muy buena construcción de la tensión —y un guion de su propia mano—, que escala desde la levedad hacia una situación que borda la tortura, de manera tan orgánica como desgraciadamente sospechada. El hecho de que el tranquilo día de Guillem y Nico se transforma en una pesadilla con pasmosa velocidad nos recuerda cuán frágiles son los derechos y las garantías del colectivo LGTBQ+, cuyos miembros no pueden estar nunca en calma, pues, en cualquier momento, en cualquier situación trivial o no, puede generarse una marabunta de puro odio e incomprensión que pretende negarles el derecho mismo de existir. Por lo tanto, si el horror presente en Còlera resulta tan real, tan poco artificioso, es porque lamentablemente se trata de un terror anclado en la realidad.

Violetas

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Violetas». Dirección y guion: Borja Escribano. Compañías: Etérea Films, Tinnitus. Festival de presentación: LesGaiCineMad - Festival Internacional de Cine Lésbico, Gay y Transexual de Madrid. Fotografía: Mario López. Música: [Información no disponible]. Reparto: Javier Pereira, Alfonso Bassave, Christian Sampedro, María Cantuel, Pablo Viña. Duración: 17 minutos.

La virtud principal que ostenta Violetas, cortometraje de Borja Escribano, tiene que ver con su montaje y con su tempo narrativo. El director, quien además es autor del guion, se aventura a narrar un cierto recorrido de la relación amorosa entre Juan (Javier Pereira) y Manuel (Alfonso Bassave) en tiempo de la dictadura franquista; a pesar de contar con las limitaciones propias del género y sus apenas diecisiete minutos de duración, consigue que la progresión temporal y las elipsis encajen con una lograda precisión. El romance doblemente peligroso y que viven Juan y Manuel clandestinamente, así como la actividad revolucionaria que este último desarrolla con sus compañeros de lucha solo parece augurar un desenlace posible; y, aun así, cuando llega, a pesar de lo predecible, golpea a los espectadores, siendo capaz de conmover con delicadeza emocional. Este film, cuya intención discursiva última es homenajear a todos aquellos disidentes de la moral de la época y la heteronormatividad, denominados entonces “violetas”, se sostiene además en las sólidas interpretaciones de sus actores protagonistas (especialmente Pereira), capaces de expresar contención, ternura y dolor con apenas unas pocas expresiones faciales. Un uso interesante del color como termómetro emocional completa en su conjunto una obra interesante y reivindicativa.

Puzzleak, El palacio de la violación

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «Puzzleak, Bortxaketaren Jauregia». Dirección y guion: Kote Camacho. Compañía: Komiki Films. Distribución en España: Filmin, VeoMac. Fotografía: Kote Camacho. Música: Elena Setién. Reparto: Enara Martínez, Maddi Goikoetxea, Clara de Pin, Mikele Arizkorreta. Duración: 15 minutos.

Está claro, desde su mismo título, que el documental de Kote Camacho es un alegato de lucha por la justicia y un puñetazo sobre la mesa como denuncia, valiente y sin sutilezas ni dudas. La voz en off de Ane (Enara Martínez) narra sosegada pero decididamente los acontecimientos que antecedieron a la herida: un conocido fotógrafo donostiarra, de nombre Kote Cabezudo, se destapó como un depredador sexual, que no solamente utilizó su posición de poder e influencia para engañarla, sino que, además, difundió por todas partes las fotografías y videos de Ane y otras víctimas, sin la supuesta validez artística de la que Cabezudo parecía pretender recubrirlas. Comienza la reconstrucción del puzle, el mapa de estos abusos múltiples. Al verse no solo ultrajada sino, además, expuesta, Ane emprende una batalla por su dignidad, enfrentándose al criminal, la opinión pública, las instituciones y, peor aún, al silencio generalizado. Esta obra de Camacho se viste con pocos artificios formales, exceptuando alguna licencia más narrativa, para ceder el espacio a las víctimas y operar como un instrumento de denuncia, contra el violador y los sectores socioculturales, cuya impasividad es cómplice de los abusos.

De sucre

ficha técnica:
España, 2024. Título original: «De sucre». Dirección y guion: Clàudia Cedó. Compañía: Lastor Media. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto: Andrea Álvarez, Marc Buxaderas, Genís Casals, Joan Manuel Gurillo. Duración: 25 min.

La valentía con la que la directora Clàudia Cedó orquesta De sucre merece inmediatamente un reconocimiento, a la altura de su talento, dada su sensibilidad, su contención, y, sobre todo, su mirada sincera y sin artificios ni prejuicios sobre la temática. Esta es la breve narración de los días veraniegos de Maria (Andrea Álvarez) y su grupo de compañeros en el camping de una zona costera. Van a la playa, comen juntos, disfrutan de las actividades de ocio. Bajo lo inocuo de esta cotidianidad, subyace un conflicto: Maria quiere ser madre; el Estado, sin embargo, se lo impide, dada su condición. Maria sufre una discapacidad cuya limitación parece tener que ver con los derechos inalienables de los que, como persona, debería gozar. El acto de reapropiación de su propio cuerpo, la rebelión personal la llevará a enfrentarse con la fundación que la protege y, a la vez, la mantiene en un estado de suspensión prácticamente patibulario. La adaptación de su propia obra de teatro Mare de Sucre (recuperando a los actures y actrices), destaca por su encomiable sobriedad, potenciando el mensaje. La potencia del relato y las actuaciones de Álvarez y el resto del elenco (Judith Pardàs, Mercè Mendez, Marc Buixaderas, Glòria March, Genís Casals, Joan Manuel Gurrillo) son más que suficientes para hacer brillar De sucre como lo que es: un grito de reivindicación y una pequeña joya.